Diseño en Venezuela

sábado, 14 de octubre de 2017

Recuerda el diseñador Carlos Plaza: EN 2018 SE CUMPLEN 30 AÑOS DE LA CREACIÓN DE LA REVISTA ESTILO


Las portadas de los tres primeros números por Gerd Leufert, Carlos Zerpa y Fran Beaufrand

En el 2018 la revista Estilo cumplirá 30 años de haber sido fundada. Conoce al editor de los seis números que marcaron la historia del diseño caraqueño en los años ochenta.


Aparece sentado rindiendo su testimonio en el cierre del documental de culto “Zoológico”, realizado por Fernando Venturini en 1992 como un registro de la vanguardia creativa caraqueña de los ochenta. Se trata del diseñador gráfico Carlos Eduardo Plaza, quien habla en el audiovisual sobre la fundación de la revista Estilo, que posteriormente vendió a Caresse Lansberg.

Estilo arrancó siendo tan rompedora visualmente como lo fue CAL en los sesenta, gracias a los atrevimientos del diseñador Antonio Quintero, a quien Plaza encomendó la dirección de arte. Sobre la génesis del proyecto, relata: “Cuando celebré mi cumpleaños en julio de 1987, se me ocurrió la arriesgada idea de publicar una revista bimensual de arte y diseño en Venezuela. Justo al siguiente año, salió de imprenta el primer número, con portada del maestro Gerd Leufert”.

La vocación de Carlos Eduardo por las artes gráficas se manifestó desde que era muy joven y fue incentivada por su familia, ya de por sí inclinada hacia el mundo creativo. Proviene de la estirpe de Ramón de la Plaza y Felipe Larrazábal, siendo sus abuelos los músicos Juan Bautista Plaza y Nolita Pietersz.

El círculo cultural caraqueño era reducido en la época en la que Juan Bautista Plaza desarrollaba su actividad artística. Fue amigo de Carlos Cruz-Diez, Jesús Soto y Gerd Leufert, quienes a su muerte, continuaron el trato entrañable con su hijo Gonzalo, padre de Carlos Eduardo Plaza.

Durante la gestión de Gonzalo Plaza en Ipostel, se gestó el proyecto “La nueva estampilla venezolana” (1978), para el que fueron convocados nuestros mejores diseñadores, con el fin de crear unas series filatélicas diferentes a los sellos convencionales. En aquel entonces, Carlos Eduardo tenía apenas 17 años y su padre lo involucró como espectador, para estimular su pasión por el diseño gráfico.

Portadas de los números 4-5-6 por Carlos Qintana, Oscar Molinari y Carlos Cruz-Diez.

Estaba a punto de iniciar sus estudios en el Instituto Neumann cuando designaron a su padre como representante de Venezuela en OPECNA (Oficina de Información de la OPEP), lo cual trajo cambios drásticos en los planes de Carlos Eduardo Plaza, quien decidió acompañar a su familia a Europa, donde estudió arte y diseño en Viena, e hizo cursos de fotografía y tipografía en Italia e Inglaterra.



Una temporada “con estilo"


Pese a la resistencia paterna, Carlos Eduardo Plaza se devolvió a Venezuela en 1984 y comenzó a trabajar como freelancer en agencias de publicidad. Hizo una pasantía en el taller de Carlos Cruz-Diez hasta que finalmente fue contratado como director de arte de la revista Gerente Venezuela, fundada por Luis Rodan con la idea de que tuviese la calidad de publicaciones especializadas en el área de los negocios como Fortune.


En paralelo estudiaba en el Instituto de Diseño Caracas para obtener un título en el país, porque no hubo forma de que le otorgaran las equivalencias de sus estudios en Austria. Al tiempo fue que se lanzó en la aventura de crear su propia revista.



Cada número de Estilo era celebrado con generosas fiestas, no obstante, Plaza señala que las diecisiete ediciones que produjo salieron con “mucha sangre, sudor y lágrimas hasta 1992, cuando publicamos la edición erótica con la controversial portada de mi gran amigo Nelson Garrido. Al poco tiempo decidí emigrar, a raíz del fallido golpe de estado contra el Presidente Carlos Andrés Pérez”, cuenta.

A consideración de Plaza: “Más que una revista, Estilo fue un movimiento cultural que agrupó todas las áreas del arte y el diseño en una época en la que en Venezuela había una explosión de creatividad, pese a la crisis económica y social que se destapó luego del famoso viernes negro”. Entre sus páginas hay un desfile de personalidades que han brillado en diferentes ámbitos de la cultura nacional e internacional como Marva Griffin, reina del diseño industrial internacional, Edgar Jiménez y Luis Chataing quienes en aquellos momentos producían las franelas And & And, o los inicios de Desorden Público.

El “background” que llevó consigo a Florida lo ayudó a posicionarse rápidamente como diseñador en diferentes agencias. Ha fungido como director creativo de DirecTV, Levenger y Royal Caribbean Cruises, mientras que con su propio estudio ha creado diferentes revistas, siempre realzando la calidad de la imagen, tanto en ilustración como en fotografía, combinadas con la composición tipográfica.



Para celebrar los 30 años


“En julio de 2018 se cumplirán treinta años de la fundación de Estilo y tengo la intención de publicar un libro titulado Con o sin Estilo, en el que hago un recuento histórico-visual de los años ochenta en ese país al norte del sur de finales del siglo XX: la Venezuela pre-Chávez", comenta Plaza.

El diseñador afirma que Venezuela fue un país próspero y con una creatividad sin precedentes. El libro, replicando la revista, está concebido en formato tabloide y en sus páginas se reproducirán imágenes originales seleccionadas por algunas de las personalidades que colaboraron en la primera etapa de Estilo, entre los que están Boris Izaguirre, Angel Sánchez, Carlos Faillace, Sara Maneiro, Titina Penzini, Carlos Qintana, Fran Beaufrand, José Antonio Hernández-Diez, Carlos Zerpa, Helena Ibarra y otros.




Los “tipos” en una revista


En el ámbito de la comunicación visual se considera que los tipógrafos han adquirido el estatus de “héroes” y que el amor por el diseño de letras, “los tipos de imprenta”, generan pasiones creativas.

Este año Carlos Eduardo Plaza comenzó a desempeñarse como diseñador y gerente de producción de la revista Type, la cual pertenece a una organización sin fines de lucro liderada por los diseñadores estadounidenses Joe Policy y Roger Black.

Type surgió como un medio informativo trimestral en versiones impresa y web, dedicada a difundir la tipografía como arte y la labor de sus creadores en el mundo.

Plaza asegura con emoción que se está planteando editar Type en español. Mientras eso ocurre, sus planes inmediatos se vuelcan hacia su independencia como diseñador.


En la web: http://www.carlosplazadesignstudio.com/

La publicación  en El Universal

miércoles, 4 de octubre de 2017

En Caracas: VUELVE TAMY HADEED CON SU TALLER DE BRANDING Y DISEÑO TEXTIL

Tamy Hadeed en el taller que dictó en Maturín.


La creativa, mejor conocida por sus seguidores como Miss Uh!, ofrecerá su último taller del 2017 en Caracas, organizado por Design in Venezuela. Esta nota es posible, gracias a la colaboración de Jessica Stein. 

Así mismo. El 14 de octubre de 2017 se dará cita a 40 creativos para ser parte del taller “Construcción de Marcas y Desarrollo de Colecciones Textiles”, que ya va por su 4ta. edición entre Caracas, Valencia y Maturín.

Design In Venezuela no podía desaprovechar la oportunidad para ofrecer, una vez más, este taller en el que su facilitadora brinda conocimientos en las áreas de branding y diseño textil, basados en su experiencia como propietaria y directora creativa de la marca de ropa urbana WizzWear.

Tamy, como cariñosamente es llamada por sus seguidores, desde 2007 ha forjado su carrera como directora creativa en el área publicitaria y en medios audiovisuales. Por si fuera poco, ha sido merecedora de premios como el Grammy Latino en 2008 (directora de arte y colorista del video “Ven a mi casa esta navidad” de Voz Véis), Ojo de Iberoamérica en 2009 y 2010 (directora creativa de dos campañas publicitarias) y ANDA en 2009 (directora creativa de un comercial y directora de arte y diseño de un sitio web).




Toda esa experiencia la ha extrapolado a 8 horas enriquecedoras de taller en las que de manera clara y sencilla explica a los participantes los procesos a considerar, desde la definición del producto hasta la producción gráfica previa al lanzamiento de una marca o de una colección textil; contenido que no está limitado al diseño de ropa, sino que perfectamente puede aplicarse a todo tipo de proyectos creativos.

Esta es la segunda oportunidad que Design In Venezuela tiene el gusto de trabajar en este taller junto a Tamara. La primera vez se dio en la ciudad de Maturín, edo. Monagas, en alianza con los creadores del Congreso Nacional de Diseño Íconos, (el diseñador gráfico Alejandro Rojas y su agencia Laboratorio B3).

Una primera vez que, por cierto, fue algo aparatosa a consecuencia de la lamentable deficiencia e ineficiencia de las empresas de transporte terrestre en Venezuela, lo que forzó a una reprogramación del taller y desató una serie de acontecimientos que desafiaron la capacidad de respuesta y resolución de problemas de sus organizadores. Finalmente el evento se desarrolló con éxito pese a las incomodidades suscitadas.

Esta nueva edición en Caracas representa una oportunidad de oro para todo emprendedor o diseñador en el área textil, principalmente. Recordamos que la invitación es para el sábado 14 de octubre de 2017, en Espacios en Blanco en el C.C. Bello Campo, de 8:00 am a 5:00 pm.

Los organizadores

Design In Venezuela es una organización que, desde abril de 2010, brinda apoyo y difusión en redes sociales a diseñadores venezolanos, cualquiera que sea su especialidad (gráfico, web, industrial, moda, interiores, ilustración). Desde 2012 desarrolla eventos de formación en temas de Comunicación Visual, con los que se define como un medio de encuentro entre diseñadores y con el que da su aporte a la consolidación del gremio de diseñadores en Venezuela.




Dirige esta organización Jessica Stein, TSU en Turismo que se ha consagrado a la producción de eventos de formación con énfasis en el diseño. Jessica posee estudios y experiencia en diseño gráfico, gestión de proyectos, redes sociales y relaciones públicas. 


Para información y registros

Twitter / Instagram: @designinvzla | Facebook: www.fb.com/DesignInVenezuela

lunes, 25 de septiembre de 2017

Rosi Milgrom: "EL DISEÑADOR TIENE UNA RESPONSABILIDAD SOCIAL VISUAL"

                        
Diagramación del libro "Wayuu" de la serie Pueblos indígenas de Venezuela, editado por Santillana, comercializado por Ultimas Noticias.

El diseño editorial para la educación primaria y secundaria no ha sido un campo rutilante para las compilaciones y exposiciones que se han hecho hasta ahora sobre el diseño gráfico venezolano. Sin embargo, los libros con los que aprenden nuestros niños y adolescentes son elaborador por equipos multidisciplinarios que comprenden desde docentes, hasta fotógrafos, ilustradores y diagramadores. Hoy les dejo esta conversación con Rosi Milgrom, quien se ha desempeñado como directora de arte en Santillana y hoy día se erige como especialista del diseño para la información y la educación.

Egresó como diseñadora industrial del Instituto de Diseño Caracas, pero no lo ha ejercido, porque ya estudiando los últimos meses de la carrera se dio cuenta de que en realidad hubiera preferido sumergirse en el universo visual desde el principio.

No obstante, con el diploma en mano, se estrenó laboralmente como diseñador gráfica en una imprenta. Casi veinte años después considera que esa fue la mejor decisión, porque allí aprendió a montar un arte final también vio cómo se plasman sobre la materialidad del soporte, las formas creadas en una computadora.

Rosi Milgrom es judía, dato relevante para entender que en el año 2000 obtuvo una beca para estudiar durante cuatro años Historia del Arte y Literatura Latinoamericana en la Universidad Hebrea de Jerusalem. Aplicó porque sentía la necesidad de formarse con criterios académicos formales, adentrándose en la teoría y analizando, a través de las artes, las nociones de concepto, estilo, color.

Como la cobertura de la bolsa de estudios no era del 100%, le tocó obligatoriamente trabajar. “Mis padres me dijeron que no me iban a costear el resto y que si me iba, debía buscar mi propio sustento”, relata divertida, porque reconoce que “en esa época yo era muy atrevida y rebelde y me lancé”.

Cuenta Milgrom que estuvo a su favor el hecho de que Israel es un país de inmigrantes. “Apenas llegué, comencé a trabajar como mesonera y ganaba muy bien gracias a las propinas, pero yo lo que quería era hacer lo que me gusta”.

Aproximadamente a los seis meses de su llegada, cuando ya dominaba el hebreo, introdujo su curriculum en una agencia de diseño gráfico e imprenta ubicada en el centro de Jerusalén. Fue un reto, porque le correspondió diagramar en un idioma que se escribe de derecha a izquierda, además de adaptarse al gusto de los israelíes, que es diferente al de los latinoamericanos. Explica la diseñadora: “ellos plasman los mensajes de forma directa, sin mucho ornamento, porque su cultura es de ir al grano, sin rodeos”.

Más adelante la emplearon en la oficina de diseño de la universidad: “me tocaba ponerme de acuerdo con los profesores para diseñar de todo un poco, pero sobre todo promociones para actividades académicas”.



Ls limpieza visual caracteriza el trabajo de Milgrom hasta en los avisos

El secreto profesional de Rosi Milgrom ha sido analizar su entorno, o como señala: “observación y problematización. Para adaptarme a lo que se hacía a nivel gráfico en Israel, compraba diarios y revistas y las estudiaba para entender cómo era su lenguaje visual”.

Luego se mudó para Haifa, integrándose laboralmente en Gestelit, la imprenta más importante de la ciudad. Allí aplicó otra vez su método de “observación y problematización” y salió airosa.

En el 2007 inició la guerra del Líbano y para Milgrom, fue el momento de regresar a Venezuela.



Diseño para la educación

Cuanto Rosi Milgrom me contactó, lo primero que me llamó la atención es que en su hoja de vida resalta que desde hace más de 17 años se dedica a la creación de materiales informativos y educativos. Entonces leí que fue directora de arte de la editorial Santillana, y al ver su portafolio vi varios de los libros de primaria que usó mi hijo, que me parecían muy bien concebidos a nivel visual.


La estructura infográfica en doble página del libro "Enlace" para cuarto grado.


De hecho, ella acudió a la entrevista con un ejemplar de Enlace y otros libros que también conocía de antemano.

Al retornar al país, ingresó como Directora de Arte de la editorial Santillana, donde pasó a coordinar un equipo de trabajo constituido por 25 personas. “La experiencia que acumulé en Israel me llevó a asumir con éxito ese reto”, asegura.

Toma en sus manos la enciclopedia Enlace y dice: “Cuando comencé a trabajar en Santillana, comencé analizando lo que se hacía en las otras sedes latinoamericanas y a nivel global, también lo que hacía la competencia acá y afuera, así actualicé mis referencias. Entonces me forjé ideas de lo que debía hacer. En el proyecto de Enlace, conocí a alguien que me enseñó mucho, el profesor Arnaldo Esté, quien siempre recalca que en la educación, la participación no es una opción, sino una obligación”.

“Con esas ideas en la cabeza, conversé mucho con los asesores pedagógicos, para traducir, por medio del diseño, los conceptos que ellos desarrollaban en los textos”.

Si analizamos la estructura de Enlace, lo primero que resalta es la limpieza de su diseño, gracias al predominio de los blancos que brindan frescura y orden visual. La tipografía complementa este estilo, trascendiendo la selección de las fuentes. “Si se fijan bien, ningún texto está cien por ciento negro, sino en 80% gris, porque el negro es el equivalente a gritar, mientras que el gris me lleva visualmente a la conversación fluida”, indica Milgrom.




La gama de colores fue estudiada y se aplica sistemáticamente en estos libros como códigos de identificación y diferenciación de contenidos. También es notoria la coherencia visual en el manejo de un mismo estilo de ilustración, aunque las mismas hayan sido realizadas por diferentes dibujantes.

Por último –que en realidad es el aspecto esencial–, la distribución del contenido en estos libros de primaria es infográfica, manejada inteligentemente a través de la síntesis gráfica.

La directora de arte considera que la infografía como herramienta contribuye a establecer la conversación entre el docente y los niños.

Si bien los logros alcanzados por Rosi Milgrom fueron importantes, porque permitieron actualizar la producción de Santillana en nuestro país, ella siempre está revisando qué se hace en el mundo en materia de ediciones para la educación, y desde ya propone cómo deberían ser los libros del 2020. Los mismos tendrán que replantear la actitud ante la educación, para que ésta sea un proceso natural y no parezca una obligación.


Las recomendaciones

Rosi Milgrom salió de Santillana en el 2010 para irse durante un año junto a su esposo e hijos a Monterrey. Confiesa que en México disfrutó de imágenes enriquecedores y exquisitamente diseñadas. Nuevamente en Venezuela, abrió su propia empresa, Concepto Gráfico, con la que desarrolla proyectos para diferentes países.


El proyecto Indígenas de Venezuela fue de envergadura y gran complejidad. Se produjeron 16 libros




A lo largo de nuestra conversación Milgrom ha mencionado varias recomendaciones que han surgido de su experiencia laboral. Copio algunas:

  1. Un diseñador editorial es integral. Debe ser lector y se alimenta de la observación, la problematización, hablando y escuchando.
  2. El diseñador debe ser como un coach: “Debe evitar hacer lo que le dicen, eso no sirve. Debe hacer lo que el cliente necesita, como si fuera un médico”. 
  3. El trabajo más difícil, pero más fructífero para un diseñador, es conversar con su cliente. “Escucha a tu cliente, él te busca porque necesita ayuda”. 
  4. A los estudiantes les digo: “vayan a la calle, trabajen en el área. En mi caso, la sensibilidad me la pulió el trabajo en las imprentas”. 
  5. La información puede estar clara, pero si no es atractiva, no llega. 
  6. El diseño gráfico SIEMPRE debe sustentarse sobre el concepto.
Al fin de cuentas, para Rosi Milgrom el diseñador gráfico contribuye con la cultura de las personas en su entorno, por lo tanto, posee "una responsabilidad social visual".

Para más información
Santillana: http://www.santillana.com.ve/


Rosi Milgrom https://www.rosimilgrom.com/


lunes, 18 de septiembre de 2017

Inaugura exposición en París: CAROLINA TINOCO, EL ECODISEÑO ENTRE DOS MUNDOS


Conocí a Carolina Tinoco hace varios años atrás, cuando trajinaba en Caracas con la Asociación Civil Ecodar 3, empeñada en promover en la ciudad el ecodiseño a través de las llamadas “3 R”: reducir, reciclar y reutilizar. Desde el 2013 se instaló en París. Desde el principio la identifiqué como una mujer inquieta y emprendedora, por lo que no me extrañó cuando recibí hace unos días su invitación para la apertura de “Nouvelles Vies”, la exposición que ha creado y comisariado para la Galería Vía, en la capital francesa.

Estudió Arquitectura en la Universidad Central de Venezuela en un momento en el que esta carrera se proyectaba como un laboratorio de experimentación donde se integraban las artes, pero también se desarrollaban proyectos sociales de relevancia como la “rehabilitación física de barrios”, en los que Carolina Tinoco se involucró creando espacios públicos lúdicos para Altos de Lídice. En el barrio también nació “mi fascinación por la reutilización de materiales”, cuenta, “observando la inventiva y creatividad de la gente para cubrir sus necesidades”.

En 1996, gracias al profesor Harry Frontado, vivió en un barrio de Punta de Mata (estado Monagas), para realizar un ejercicio arquitectónico: construir una vivienda para sustituir un rancho en 5 meses. Cuenta la arquitecta-diseñadora que “había que trabajar con materiales locales, y lo que encontré interesante fueron los desechos de la industria petrolera. Con ellos, y haciendo bloques con la tierra del lugar mezclada con un poco de cemento (tecnología desarrollada por Domingo Acosta), construimos una casa que marcó mi carrera y donde aprendí a ver lo bello en lo feo”.

Así se gestó su inclinación hacia el ecodiseño, en el que se inició con piezas como el puff “Cono es un cuñete”, que fue seleccionado para la Bienal Iberoamericana de Diseño 2002. Este mueble, que se basa en la reutilización de un cuñete de pintura que puede ser “forrado” o recubierto con diferentes materiales, tiene un origen enraizado en la lógica utilitaria popular, y por esa razón es que he llegado a ver ese concepto funcionando en casas y una vez, sustituyendo el asiento de copiloto en una buseta caraqueña. No obstante, es importante decir que en el caso de la creación de Tinoco, como profesional del diseño, fueron considerados factores como la altura, las texturas, y los acabados, para el resultado final.


Cono es un Cuñete
























Otras piezas de mobiliario generadas con esa visión de la reutilización de materiales fueron el puff “Tripa”, relleno de caucho y la lámpara “Tube”, cuya base es una olla mondonguera y el cuerpo ese un tanque de agua para apartamentos.

Más reciente ha sido la silla “Pan-Tuche”, que es el resultado de la intervención de la famosísima “Panton chair”, a la que se le perforó el croquis del barrio Catuche, de allí el nombre que fusiona visual y lingüísticamente un icono del diseño industrial con el más reconocido elemento de la culturas latinoamericanas. Para obtener precisión, se emplearon herramientas digitales en el Fab Lab Barcelona. El producto acabado fue exhibido en la muestra colectiva “New Territories” que itineró entre Estados Unidos y México.


La frustración como inspiración

La capacidad productiva de Carolina Tinoco es admirable. Desde muy joven su vena emprendedora se activó con la Galería de Arte Contemporáneo Local, donde se estrenó como curadora. Más adelante fundó la editorial Criteria, con la que publicó Caracas Cenital y la Ciudad ordenada, entre otros títulos. Como curiosidad vale comentar que John Moore diseñó varias portadas para dicha casa editorial y también fue autor del libro Signos de identidad.

Luego, abrió la empresa Barbarella Eventos y Proyectos con la que hizo mobiliario con materiales reusados y ambientaciones de espacios efímeros. También organizó eventos y fungió como “Dj La Tino X”. Ya adentrados en el siglo XXI, se involucró en Ecodar 3, hasta que decidió fijar su residencia en París.

Lámpara "Tube"

En su trayectoria hallamos interesantes proyectos que se detuvieron por diversas razones, a mi modo de ver, todos de avanzada para un país que se ha estado moviendo en retroceso desde hace poco más de dos décadas. De esas experiencias es que Carolina destaca la frase “Frustration is my inspiration”, porque “repetidas veces he tenido frustración con proyectos en los cuales he estado involucrada y en los cuales creí y sigo creyendo, pero esa frustración de alguna manera es una bendición disfrazada, pues me empujó a seguir explorando y creando”.


Nouvelles Vies (Nuevas Vidas)

Este 21 de septiembre inaugura en la Galería Vía, enclavada en el Distrito 11 de París, la exposición “Nouvelles Vies. Eco-conception, upcycling et recyclage dans le Design”, creada, dirigida y curada por Carolina Tinoco.

“Me inspiró mucho mi trabajo en Venezuela con la asociación Ecodar 3 y la exposición en la que participé ‘New Territories’. Luego invesstigué y quise entender cómo se manejaban estos temas en Francia, pero con una visión global. Entonces me pareció que había un nicho, y mucho que contar”, explica, sobre la génesis de la muestra: “Monté el proyecto desde cero. Conseguí espacio en VIA (Instituto de Valorización e Innovación en el mueble) y creamos el equipo, buscamos los patrocinantes, que son dos eco-organismos, Eco-Mobilier, Valdelia y una beca de ADeMe, que es la agencia del ambiente y energía, además de muchos otros intercambios y colaboradores que nos están apoyando”.

Le pregunté sobre en qué ha variado su visión sobre el ecodiseño desde que se mudó a vivir a Europa, a lo que respondió que “mi visión ha variado, pues me doy cuenta que además de los problemas obvios ambientales y que el mercado está muy saturado, se necesita urgentemente una toma de conciencia para tener un futuro. Se necesita revolucionar la manera de consumir, crear, producir, distribuir y consumir”

Puff "Tripa"

El objetivo de “Nouvelles Vies” es hacer una compilación de los esfuerzos en ecodiseño realizados en Francia, con una ventana abierta al ecodiseño mundial. “El desafío es hacer coexistir y dialogar piezas que persiguen mejorar nuestra vida cotidiana, según la dinámica de la eco-concepción, la reutilización y el reciclaje. El sueño: lograr sumar otros países y más diseñadores”.
La curadora indica que en las piezas seleccionadas se hallan prácticas experimentales, industriales, artesanales y artísticas que ofrecen nuevas perspectivas para los productores independientes, las empresas y las marcas globales. Se presentan casos innovadores e historias exitosas como los asientos creados por Philipe Starck, Jean Nouvel o las bandejas de los Hermanos Campana, realizados con materiales reciclados, reutilizados o naturales. Todos enmarcados en una escenografía lúdica, por un parte didáctica y por la otras, de implicaciones políticas.

Para Carolina Tinoco el concepto de ecodiseño reflejado en la exposición va dirigido a la lógica del primer mundo, sin olvidar que siempre está “mi otra visión”, como latinoamericana, “que aunque parezca la misma no es igual, esa visión del mismo asunto que proviene de mi experiencia como persona proveniente de esa parte del mundo –la mayoría-, para la que el reciclaje no es una opción filosófica, sino una necesidad de supervivencia”.

La web de "Nouvelles Vies": http://nouvellesviesdesign.com/

jueves, 14 de septiembre de 2017

EL DISEÑO PARA LA PROTESTA PACÍFICA

Tipografía para la resistencia y el activismo en los cartelones con fichas de las víctimas mortales de la represión en Venezuela elaborados para la protesta pacífica "Cada vida cuenta", 30/8/2017.


El 31 de julio de 2017, que fue el “día después” de las elecciones de la asamblea constituyente, el país amaneció como si lo hubieran molido a palos. Y no era para menos, luego de cuatro meses de lucha civil fieramente reprimida por los uniformados del régimen venezolano que arrojó como resultado más de cien muertos, decenas de heridos y miles de traumas emocionales.


La exaltación que las protestas generaron entre abril y julio no sólo se manifestó en las calles, sino que también copó las redes sociales más usadas en Venezuela: Facebook y Twitter. Incluso Instagram, esa plataforma “para ser bonito y cool”, se llenó de gráfica disidente según mis palabras, o “gráfica reinvindicativa”, según Nacho Clemente. Ni hablar de la cantidad de memes que circularon por Whatsapp. Los ilustradores y diseñadores gráficos, principalmente, contribuyeron espontáneamente con este fenómeno.





A partir de agosto, el silencio abrupto de la calle ha sido acompañado por el paulatino acallamiento de las redes. Ha ido mermando la gráfica disidente, que –igual como aconteció en el 2014– resultó ser más reactiva que propositiva, más protesta puntual que una contribución tenaz para recuperar nuestra democracia. 


No obstante, hemos tenido algunas personalidades de la comunicación visual que desde hace 11 años se han dedicado a crear campañas gráficas de oposición al chavismo y que han contribuido con la imagen y diseño de algunas piezas para la Unidad. Se trata de Manifiesta, cuyo origen se remonta al 2006, con los “200 pendones por el voto”. Al año siguiente, apoyaron las manifestaciones estudiantiles, mientras que en el 2008, fueron los artífices de la campaña contra la reforma constitucional titulada “Gato por liebre”.






En equipo


Carolina Arnal, Rosana Farías y Ricardo Benaím son quienes actualmente forman parte de Manifiesta, que está en estado “recesivo” desde que Chúo Torrealba se fuera de la Mesa de la Unidad Democrática (MUD). Inicialmente lo integraban más personas que han emigrado del país.

El trabajo más reconocido de Manifiesta es la “manito” de la Unidad. Señala Ricardo Benaím que el icono nació por la sugerencia que le hicieron a quien fuera coordinador de la MUD, Ramón Guillermo Aveledo. Le presentaron dos propuestas: un paraguas de varios colores y la mano con el pulgar hacia arriba, que fue la seleccionada.

Para Benaím la labor gráfica para la política asumida con Manifiesta parte de la inquietud personal: “O lo hacíamos o nos angustiábamos. Si hago, no me angustio, porque estoy contribuyendo, estoy aportando”.




El diseño en la protesta pacífica


La violencia en la calle desatada por los ataques de los “cuerpos de seguridad” del estado a las marchas y concentraciones opositoras no nos han sido extraña desde hace años, intensificándose desde el 2014. En el 2017 emergió como alternativa al enfrentamiento, la protesta pacífica que hace uso de medios creativos como el canto, la consigna poética, el performance y el ensamblaje efímero. Muchos hacen uso del diseño como pieza de apoyo.

Piloneras, Dale letra, Grullas por la libertad, el Laboratorio de no violencia y la Santa Barrera son algunos de estos colectivos cuyos integrantes son adultos profesionales clase media que no van a tirar piedras ni luchar cuerpo a cuerpo con la guardia nacional, pero sí desean aportar conciencia a la población desinformada, y/o apática.

De estas agrupaciones, la que más involucra diseño es la Santa Barrera, encabezada por Ricardo Benaím y Anita Reyna, con mensajes que involucran la espiritualidad a través de la comunión de las religiones. Se han expresado a través de montajes efímeros en las calles del este caraqueño como los altares sincréticos en los que conviven los ángeles, los rosarios, las vírgenes e imágenes de otras religiones con elementos políticos como la constitución.




Santa Barrera se activó en mayo. Desde entonces han hecho el altar ecuménico, las cruces de junio, el manto sagrado, el gran rosario, los billetes intervenidos, el manto de la libertad, la tipografía empleada por Dale letra y por los ciudadanos en los trancazos y el muro de la libertad junto a la organización de Elías Santana.

Cada acción conlleva un proceso creativo como “Dios manda” en el diseño. Para Ricardo Benaím, el objetivo es “generar esperanza, que es mi válvula interior. La situación me indica que hay que generar autoestima y entusiasmo, pero sobre todo, la fe consciente para estimular los cambios. Esto te conecta con la esperanza, y por ende, cambia tu vida y la de los demás”.

La base de cada acción es “la no violencia”, porque tal como indica Benaím: “es más fácil protestar, que proponer”.

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